Arte Colonial

Fernando Álvarez Carneiro (c. 1670–1744), Venezuela
La Santísima Trinidad, 1730
Óleo sobre tela
160.8 x 103.1 cm (63 5/16 x 40 9/16 in.)
Denver Art Museum. Promised gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Carolina Cisneros Phelps

Aparte de las grandes comisiones para iglesias o conventos los maestros artesanos también fabricaban piezas de menores dimensiones para la devoción privada. En ciertos casos se trataba de pedidos especiales ejecutados de acuerdo a las exigencias de los clientes como probablemente haya sido el caso de este tabernáculo realizado en Caracas, durante el último tercio del siglo XVIII. A pesar de ser originales de la pieza, las pinturas en el interior de las puertas, de San Antonio y Santa Bárbara, no tienen relación alguna con la iconografía del Cristo que alberga el tabernáculo. El exterior de la pieza, de inspiración chinesca, esta decorado con relieves de rocalla dorada sobre fondo rojo.

Desde 1572 hasta la extinción de la orden en 1767, la Compañía de Jesús mantuvo una serie de misiones o “reducciones” en el Alto Perú, hoy Bolivia. Como parte de las actividades misioneras los jesuitas organizaron escuelas de artes y oficios para los indígenas del lugar. Las misiones de Moxos y de Chiquitos alcanzaron gran renombre por sus trabajos en madera tallada. En su mayoría la producción estaba dirigida hacia pequeños objetos utilitarios como cajas para coca. En algunos casos excepcionales se produjeron piezas más grandes y elaboradas como este par de escritorios. La abigarrada talla de toda la superficie esta realzada con incrustaciones de concha nácar, a remedo de los trabajos orientales. El interior de los tableros tiene pinturas, uno representa una escena de caza y el otro una escena galante.

Quito fue un destacado centro de producción artística durante el periodo colonial. El patronazgo de las muy numerosas instituciones eclesiásticas de la ciudad mantuvo activo al gremio de los pintores, en su mayoría mestizos o indios. A pesar de la relativa cercanía de otros importantes centros artísticos, como Lima o Cuzco, la pintura quiteña posee un estilo propio; un colorido sobrio y elegante sumado a un muy discreto empleo de dorados –usado apenas para enfatizar un pequeño detalle– como en esta imagen de Nuestra Señora de Passau, probablemente inspirada en un grabado europeo de la venerada pintura de Lucas Cranach el viejo. El marco de la pintura, original de la misma, es prueba del virtuosismo alcanzado por los tallistas de la ciudad.

José Ramón Cardozo (1758), Venezuela
Silla del coro de la Catedral de Caracas, 1797
Madera de caoba
135.5 x 79 x 65 cm (53 3/8 x 31 1/8 x 25 9/16 in.)
Denver Art Museum. Promised gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Adriana Cisneros de Griffin

La última obra de importancia en la Catedral de Caracas durante le siglo XVIII fue la construcción de un nuevo coro. La obra fue comisionada en 1794 al ebanista José Ramón Cardozo quien, luego de innumerables retrasos y disputas con las autoridades eclesiásticas, apenas logró terminar las sillas antes de que su contrato fuese rescindido en 1798. El diseño de las sillas, de gusto anglo-holandés, posiblemente esta basado en algún grabado o tratado de ebanistería europeo de los tantos que circularon por toda América. El intenso comercio de la Capitanía General de Venezuela a fines del siglo XVIII con las cercanas colonias holandesas e inglesas del Caribe explicaría el potencial origen de este diseño.

Los señores principales –nobles locales, terratenientes o acaudalados comerciantes– de las grandes capitales virreinales, Ciudad de México y Lima, competían con sus pares de Madrid o Sevilla en ostentar las riquezas del Nuevo Mundo. No se reparaba en gastos a la hora de amoblar casas y haciendas. Un muy especial cuidado se ponía en el adorno de los oratorios particulares. Pequeños y lujosos tabernáculos con alguna imagen religiosa, muchas veces plegables para su fácil transporte, constituían el punto focal de los altares domésticos. De inspiración arquitectónica, este tabernáculo mexicano del siglo XVIII, asemeja un pequeño baldaquino apoyado sobre cuatro columnillas salomónicas. Al desplegar las puertas se revela el interior pintado con chinescos sobre fondo bermellón, a imitación de los lujosos textiles provenientes de Asia a través del Galeón de Manila. Un par de espejos, con sus respectivas repisas y molduras doradas, colocados en cada una de las cuatro hojas de las puertas servían para amplificar la luz de las velas apoyadas en las repisas. Una imagen de cuerpo entero de La Inmaculada Concepción completa el conjunto.

La región de Minas Gerais, en Brasil, se desarrolló extraordinariamente durante el siglo XVIII gracias a sus minas de oro y diamantes. La enorme riqueza se refleja en el sofisticado arte de la zona imbuido en el espíritu del rococó. Las piezas, como este pequeño altar para la devoción privada, están generalmente pintadas en colores pasteles y realzadas con dorados. Las figuras policromadas y doradas han sido talladas en una suave piedra local. El altar consta de dos partes; la superior contiene una escena de la Crucifixión de Jesús y la inferior representa la Adoración de los Pastores.

La butaca, un sillón bajo de alto respaldo inclinado, era un mueble de uso personal y estaba destinado a los espacios más íntimos de las casas coloniales; allí donde la rígida etiqueta española, que imponía una posición erguida al sentarse, podía dejarse de lado. Su forma es original del Nuevo Mundo y deriva de un pequeño asiento ceremonial típico entre las culturas precolombinas del Caribe llamado ture. La palabra butaca viene de putaca, asiento, en el idioma del los indios Cumanagoto de la costa Nororiental de Venezuela. En esta butaca, de la segunda mitad del siglo XVIII, la tipología tradicional del asiento de descanso se viste con las sinuosas formas del repertorio rococó venezolano.

Tras su llegada al Nuevo Mundo los españoles adoptaron muchos de los alimentos y bebidas de originales de América, entre ellos destaca la yerba mate, una infusión apreciada por los pueblos precolombinos de Sudamérica. El mate fue la bebida social por excelencia en los salones y estrados del Virreinato del Perú. Para la preparación de la yerba mate es necesario disponer de agua caliente constantemente. Aprovechando la propiedad de la plata de ser un excelente conductor de calor, los plateros peruanos crearon varios tipos de recipientes de este metal que incluyen un pequeño brasero en su interior. Basta colocar algunas brasas ardientes en el espacio destinado a tal fin para mantener el agua caliente por largo tiempo. Estos calentadores de agua, también llamados “pavas”, son de las más variadas formas, algunas veces el modelo es la figura de un animal y otras, como en este caso, son simplemente un prisma rectangular con decoración sobrepuesta. La decoración de esta pava incluye varios de los motivos distintivos de la orfebrería andina: leones rampantes, sirenas y pelícanos.

La advocación de Nuestra Señora de la Luz gozó de gran popularidad en toda Hispanoamérica y especialmente en la Nueva España –hoy México– donde los jesuitas divulgaron su culto. En Caracas el gran propulsor de esta devoción mariana fue el Obispo Diego Antonio Diez Madroñero (1714–1769). Desde 1756, cuando llega a Venezuela para tomar el cargo vacante por la muerte el año anterior del Obispo Francisco Julián de Antolino, Diez Madroñero encarga varias imágenes de N.S. de la Luz, y es precisamente durante su obispado cuando debe haber sido encomendada la ejecución de esta obra al maestro Juan Pedro López.

La pintura, que cuenta entre las obras más grandes de López, y el elaborado marco dorado sugiere que probablemente la obra fue comisionada para algún templo o convento caraqueño. Durante la restauración de la pieza se eliminó un repinte de fecha posterior que dejó al descubierto el cuerpo de un joven –alma– que es liberada del fuego del infierno por intercesión de la Virgen. La figura del adolescente ha debido ser suprimida y sustituida por un cetro (todavía visible en la obra) el año de 1770 cuando por disposiciones canónicas se modifica la iconografía de Nuestra Señora de la Luz y el obispo ordena la corrección de las imágenes más antiguas.

Antonio José Landaeta (activo 1748–1799), Venezuela
Inmaculada Concepción, c. 1795
Óleo sobre tela
75.6 x 47.6 cm (29 3/4 x 18 3/4 in.)
Denver Art Museum. Promised gift of Patricia Phelps de Cisneros de Cisneros in honor of Frederick and Jan Mayer

La Inmaculada Concepción fue declarada patrona de España y de todos sus territorios de ultramar por el Papa Clemente XIII el día 8 de noviembre de 1760. Esta proclamación impulsó el culto de la advocación mariana, esto explica la recurrencia del tema entre los pintores venezolanos de la segunda mitad del siglo XVIII. El maestro caraqueño Antonio José Landaeta, autor de esta pintura, no fue la excepción, Landaeta, activo entre 1763 y 1810, realizó varias versiones de la Inmaculada y todas ellas guardan mucha similitud entre sí; lo más probable es que tomó para su realización el modelo de algún grabado europeo. La pintura, una de las pocas obras firmadas por el artista, puede fecharse hacia la última década del siglo XVIII.

Desde el primer viaje en 1565 del llamado “Galeón de Manila” –que realizaba una larga travesía desde el puerto de Cavite, cerca de Manila, en las Filipinas hasta Acapulco en la costa del Pacífico mexicano– se inicia un importante intercambio comercial, que duraría algo más de dos siglos, entre las colonias españolas de América y el lejano oriente. El flujo a lo largo y ancho del Nuevo Mundo de todo tipo de bienes suntuarios asiáticos impulsa a su vez la manufactura americana de piezas de inspiración oriental para satisfacer a un mercado ávido de piezas decoradas “al uso de China”. Esta caja costurero, posiblemente hecha en el Perú, ilustra esta producción. Su exterior esta completamente recubierto de placas de nácar esgrafiadas y dispuestas en una complicada traza geométrica. La decoración se realza con incrustaciones de carey que contrastan con el blanco de la concha. El interior esta pintado en rojo y oro a imitación de maque –laca– con motivos chinescos y está dividida en varios compartimientos con cajoncillos secretos.

Domingo Tomás Núñez (1735–1801), Venezuela
Sagrario para llevar el viático, c. 1790
Plata
16.4 x 15 x 7 cm (6 7/16 x 5 7/8 x 2 3/4 in.)
Denver Art Museum. Promised gift of Patricia Phelps de Cisneros in honor of Gisela and Carlos Padula

Esta pequeña pieza de plata de algo más de 16cm, es un ejemplo del refinamiento estético y la maestría artesanal alcanzados por los plateros de Caracas, Venezuela, durante la segunda mitad del siglo XVIII. El sagrario, atribuido a Domingo Tomás Núñez (1735–1801), es una versión en miniatura de los sagrarios de plata que se utilizaban en los principales templos de la ciudad. Esta adaptación portátil se usaba para llevar la comunión a personas que no podían asistir a la iglesia; cuando era el caso, el sacerdote debía caminar en procesión solemne, con el sagrario colgado al cuello por medio de una cadena de plata, hasta el lugar donde daría la comunión. La compleja decoración de rocalla repujada que recubre toda la superficie de la pieza es característica del rococó, un estilo que se mantiene vigente en Caracas hasta la última década del siglo XVIII, mucho más tarde que en otros territorios españoles de América donde para la misma época las preferencias del público se habían vuelto hacia formas clásicas de inspiración grecorromana.